Ilana Wajcberg (São Paulo, 1970) é uma artista visual brasileira que vive e trabalha em São Paulo. Ilana é formada em Design e Arquitetura e realizou estudos de Mestrado em Belas Artes (M.F.A.) em Paris, França.
Iniciou sua formação em fundamentos técnicos e história da arte no Pavilhão Helena Rubinstein de Arte Contemporânea. De 1990 a 1993, foi aluna do renomado artista israelense Menachem Mizrachi (1951–2011), uma figura importante na pintura figurativa.
Influenciada por sua paixão por arquitetura, botânica e pelos aspectos arquetípicos do universo feminino, desenvolveu diversas séries de pinturas, entre elas "Feminino Profundo", "Natureza Editada" e "Jardim Botânico". Os principais elementos de seu trabalho incluem cores vibrantes, padrões gráficos detalhados, a delicadeza das linhas curvas e a beleza das paisagens.
Realizou exposições individuais e coletivas, como "Meios e Processos" no Museu de Itu (2019) "A Janela do Sol" (2019) e "Camadas" (2017). Atualmente, também tem se dedicado à exploração de novos materiais, como cerâmica e obras têxteis.
DECLARAÇÃO DE ARTISTA
Minha pintura nasce como campo de atravessamento — onde memórias visuais, experiências íntimas e fragmentos de paisagem se entrelaçam em silêncio. É pela escuta e pela intuição que conduzo meu gesto, em busca de perceber o que pulsa entre corpo, natureza e tempo.
A aquarela sobre papel é meu território de experimentação inicial. Com ela, exploro a transparência da tinta, o velamento das camadas e a fluidez dos contornos — caminhos que me permitem compreender e dar vazão às ideias. Muitas dessas aquarelas se tornam estudos para as obras em pintura a óleo, que carrega essas primeiras intenções para a solidez da tela, onde a cor adquire densidade e a matéria se expande.
As atmosferas resultantes flutuam entre o figurativo e o abstrato, propondo um tempo outro — suspenso, imaginado, quase sonhado. As paisagens, reais ou inventadas, surgem não como representação literal, mas como matéria viva e simbólica — uma geografia de afetos. A organicidade da natureza e os ciclos que a regem orientam minha escrita visual: feita de curvas, repetições, variações cromáticas e uma paleta que se move entre o sussurro e o grito, entre o acalanto e o espanto.
A exuberância da vegetação brasileira, com suas formas que escorrem e se expandem, inspira a construção das imagens e reforça o elo entre corpo e território. Cada pintura é vestígio sensível de atravessamentos: registros do que vibra entre o visível e o invisível, o dentro e o fora.
A pintura, para mim, é escuta. É lugar de transposição poética da experiência.
Movida por uma paixão antiga pela arquitetura, pela botânica e pelos arquétipos do universo feminino.
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Ilana Wajcberg (São Paulo, 1970) is a Brazilian visual artist who lives and works in São Paulo. She graduated in Design and Architecture and pursued a Master of Fine Arts (M.F.A.) degree in Paris, France.
She began her artistic training in technical foundations and art history at the Helena Rubinstein Pavilion for Contemporary Art. From 1990 to 1993, she studied under the renowned Israeli artist Menachem Mizrachi (1951–2011), a key figure in figurative painting.
Influenced by her passion for architecture, botany, and the archetypal aspects of the feminine universe, she has developed several painting series, including Deep Feminine, Edited Nature, and Botanical Garden. Her work is marked by vivid colors, detailed graphic patterns, delicate curved lines, and the beauty of landscapes.
She has participated in solo and group exhibitions such as Means and Processes (2019), The Sun’s Window (2019), and Layers (2017). Recently, she has also been exploring new materials, including ceramics and textile-based artworks.
ARTIST STATEMENT
My painting emerges as a field of crossings — where visual memories, intimate experiences, and fragments of landscape silently intertwine. It is through listening and intuition that I guide my gesture, seeking to perceive what pulses between body, nature, and time.
Watercolor on paper is my initial territory of experimentation. With it, I explore the transparency of the pigment, the veiling of layers, and the fluidity of contours — pathways that allow me to understand and give form to ideas. Many of these watercolors become studies for oil paintings, which carry those initial intentions into the solidity of the canvas, where color gains density and matter expands.
The resulting atmospheres float between figuration and abstraction, proposing an alternate time — suspended, imagined, almost dreamlike.
The landscapes, whether real or imagined, appear not as literal representations, but as living and symbolic matter — a geography of affections. The organicity of nature and its governing cycles guide my visual language: composed of curves, repetitions, chromatic variations, and a palette that moves between whisper and cry, between comfort and awe.
The exuberance of Brazilian vegetation, with its forms that spill and expand, inspires the construction of images and reinforces the bond between body and territory. Each painting is a sensitive trace of crossings: records of what vibrates between the visible and the invisible, the inner and the outer. Painting, for me, is a form of listening. It is a space for poetic transposition of experience.
Moved by a long-standing passion for architecture, botany, and the archetypes of the feminine universe.